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    Resumen

    La curadora, profesora y crítico de arte venezolana Mónica Amor escribe una penetrante evaluación de la exhibición “Fernanda Gomes”, llevada a cabo en la Baumgartner Gallery en Nueva York del 8 de setiembre al 17 de octubre del 2001. Amor describe brevemente el carácter de la muestra y la obra de Gomes. Las conexiones que Amor traza entre la obra de Gomes y sus predecesores brasileños Lygia Clark, Hélio Oiticica y Artur Barrio, así como las afinidades que observa con la obra de Kurt Schwitters y el dadaísmo resultan esclarecedoras. Finalmente, realiza una aguda crítica a la extendida “espectacularización” que percibe en el mundo del arte, argumentando que el trabajo de Gomes se opone enfáticamente a este fenómeno.

    Comentarios críticos

    La curadora, profesora y crítico de arte venezolana Mónica Amor escribe una penetrante evaluación de la exhibición “Fernanda Gomes”, llevada a cabo en la Baumgartner Gallery en Nueva York del 8 de setiembre al 17 de octubre del 2001. Esta muestra fue la segunda individual de la artista brasileña Fernanda Gomes (n. Río de Janeiro, 1960) en la ciudad (la primera individual de la artista en los Estados Unidos tuvo lugar también en la Baumgartner Gallery en 1999). Amor describe brevemente el carácter de la muestra, la cual presenta al espectador un “paisaje indefinido” donde el trabajo parece haber sido abandonado antes de haberse terminado. Para Amor, el término “proceso” es clave para entender el trabajo de Gomes, quien activa el espacio de la galería con una combinación de materiales residuales y objetos encontrados a los cuales se les ha quitado su utilidad, colocándose como marcadores espaciales. Amor traza importantes conexiones entre el trabajo de Gomes y sus predecesores brasileños Lygia Clark, Hélio Oiticica y Artur Barrio y observa afinidades con la obra de Kurt Schwitters y el dadaísmo. Al mismo tiempo, explica cómo el trabajo de Gomes se aparta de estos precedentes, dejando de lado la orientación explícitamente política de Oiticica, Clark y Barrio en favor de una intrusión más sutil en las redes estables y mercantilizadas de la producción, institucionalización, y socialización que dominan nuestra relación con el medio ambiente. Amor enfatiza que la precariedad es un concepto central tanto para Barrio como para Clark, pero observa que en el trabajo de Gomes el compromiso con el cuerpo de Clark se re-articula a través del ritmo temporal de la rutina diaria. Finalmente, realiza una aguda crítica a la extendida  “espectacularización” que percibe en el mundo del arte, argumentando que el trabajo de Gomes se opone enfáticamente a este fenómeno: para Amor, las instalaciones de Gomes en la Baumgartner Gallery constituyen una rebelión contra exhibiciones como “Brazil: Body and Soul” (Guggenheim Museum, Nueva York, 12 de octubre, 2001 – 27 de enero, 2002), la cual estuvo basada en métodos “anticuados e imperialistas de entendimiento cultural” que confunden las industrias del turismo, la cultura y el espectáculo.

     

    Gomes, quien vive y trabaja en Río de Janeiro, exhibió por primera vez en 1994 en la Galería Luisa Strina, una de las galerías de arte más antiguas e influyentes de Brasil. Gomes frecuentemente instala en los pisos y paredes de las galerías objetos hechos con materiales baratos y comunes —muchas veces madera— que encuentra en la calle o compra en tiendas de materiales de arte o ferreterías. Algunas veces presenta estos objetos en su estado natural; otras veces los manipula, pintándolos de blanco, por ejemplo. Gomes ha exhibido su trabajo en exhibiciones individuales y colectivas en varios países de Europa, Latinoamérica y los Estados Unidos. Ha participado en las bienales de Venecia, Estambul, São Paulo y Sídney. Su trabajo ha entrado en las colecciones de la Tate Modern, el Miami Art Museum, la Fundación/Colección Jumex, la Vancouver Art Gallery, el Centre Georges Pompidou, el Museu Serralves, el Museu da Pampulha y el Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro.

     

    Mónica Amor es crítico de arte, curadora y profesora de arte moderno y contemporáneo en el Maryland Institute College of Art. Se ha dedicado a investigar arte contemporáneo que tiene una cierta inflexión arquitectónica. Amor critica enfoques metodológicos convencionales y aboga por la utilización de métodos más flexibles en el análisis de arte latinoamericano contemporáneo en los artículos “On the Contingency of Modernity and the Persistence of Canons” (2008) [véase archivo digital ICAA (doc. no. 1281140)] y “Entre espacios: la Reticulárea y su lugar en la historia” (2003), en el cual traza conexiones entre la obra de Gego, Eva Hesse y Lygia Clark (doc. no. 1281456). En “Imaginando territorios: reflexiones dispersas sobre arte en (Latino) América = Imagining Territories: Scattered Reflections on Art in (Latin) America” (1996) (doc. no. 1155284) Amor reflexiona sobre la revisión profunda de ideas provenientes de los discursos de poder o retóricas nacionalistas, tales como “origen y esencialidad”, las cuales desvirtúan los sentidos y aportes del arte latinoamericano. En “Eine experimentelle Asübung der Freiheit = An experimental exercise of freedom” (2013) (doc. no. 1282488), Amor explica que Clark compartió con otros artistas brasileños de la época un afán por disolver el objeto artístico, una búsqueda que había sido propuesta por el poeta brasileño Ferreira Gullar en su influyente ensayo “Teoria do Não-Objeto” [Teoría del No-Objeto] (1959) (doc. no. 1091374). Amor sostiene que este ensayo de Gullar influyó decisivamente en el desarrollo de la vanguardia brasileña y en el diálogo artístico que Clark y su colega Hélio Oiticica sostuvieron entre 1959 y 1964 en el artículo “From Work to Frame, In-between, and Beyond: Lygia Clark’s and Hélio Oiticica’s work 1959–1964” (2010) (doc. no. 1281344).